Dans le cadre de PÔLE POSITION, dispositif de soutien à la jeune création du réseau Seize Mille, nous accompagnons des artistes récemment sorti·es d’une des trois écoles supérieures d’art de la région. Pour la cinquième édition de PÔLE POSITION, en 2026, quatre auteur·res et critiques d’art, ont été invité·es à écrire un premier texte portant sur leur démarche.
Les auteur·res sélectionnés par un jury ont pu choisir de rencontrer les artistes qui piquaient leur curiosité.
Ces échanges ont donné lieu à une nouvelle série de textes qui sont maintenant disponibles sur notre site.
Cousues à la main ou présentées en édition, thermocollées ou imprimées en affiches, des phrases envahissent les murs et se reposent au sol. Elles se glissent aussi dans des calendriers et des assiettes, ustensiles du quotidien devenus socle d’une poésie imagée. Dans sa pratique éditoriale et plastique, Jérôme Wieder entrelace le texte à son support. À la fois médium et matériau, son écriture nous déplace et nous invite à entretenir une relation active aux mots. Chacune de ses œuvres interroge ainsi notre réception. Où se posent les yeux des lecteur·ices ? Sur la forme des lettres, leurs significations lorsqu’elles sont assemblées, les couleurs vives qui les encadrent ou les objets qui les avalent ?
Si le graphisme et la typographie informent nos regards, un enjeu demeure pour l’artiste : celui d’être lu. Pour se faire, il cartographie des « repères·aires », balises symboliques pour s’orienter dans le ciel, dans la page et en-dehors, et il nous guide vers une bibliothèque imaginaire. Jérôme Wieder est un tisseur de mots. Il travaille la maille épaisse d’histoires ancestrales, en investissant, souvent avec humour, des croyances populaires comme l’horoscope ou en détournant le mythe de Pénélope, métamorphosée en héroïne rusée, qui en découd avec les hommes. Ces réécritures sont le lieu d’expérimentations formelles. Si la métaphore du textile s’impose par son lien étymologique prégnant avec le texte, le tissu est également de plus en plus présent dans ses pièces. Tapis en tufting, banderoles ou cadres en crochet… L’artiste trace ses récits grâce au fil et déploie sa pratique sur le temps long. Un temps qui s’étire comme une narration qu’on ne cesse de prendre et de déprendre. Luce Giorgi
Critique d’art et éditrice indépendante, Luce Giorgi travaille entre Marseille, Paris et Corti. Diplômée de Sorbonne-Université en philosophie et en histoire de l’art, elle poursuit ses réflexions autour des pratiques documentaires et performatives, qui questionnent notre rapport au réel et au langage. Ses recherches portent sur la stratification des récits et s’attachent aux narrations alternatives et écologiques, avec une attention particulière portée aux lieux qui les façonnent. D’origine corse, elle fonde la revue poétique l’ochju, un cycle de réflexions sensibles sur l’insularité, réunissant des artistes insulaires et continentaux autour de thématiques liées à la mémoire, à la transmission et aux rituels.
Parfois alors qu’il enregistre en bord de village, le passage d’un avion se superpose au chant d’un oiseau. Armand Louet recherche ses coïncidences comme lors de ses concerts live où il superpose les stridulations des insectes avec la constance de rouages mécaniques. Au-delà du clivage nature-culture qui a structuré si longtemps la pensée et les représentations occidentales, il cherche à en rendre sensible les intrications. Espèce opportuniste, l’artiste qui aime utiliser l’image du corbeau qui fabrique son nid avec des cintres métalliques travaille avec tous les matériaux à sa portée. Si dans ses premières œuvres, il aimait à suggérer le vivant par la déformation de métaux trouvés sur les chantiers, en utilisant des rebuts, il pratique aujourd’hui l’hybridation. Le vivant se nourrit en effet d’accidents, s’adapte et creuse son sillon et ainsi il suggére des champignons en associant la cire de rayons de ruche avec des fils de fer utilisés dans les vignes. En partant de l’architecture, qu’il imagine peut-être déjà ruinée et envahie de ronces, il déploie des environnements où le son déplace la façon de percevoir. Il peut s’agir de faire prendre conscience au visiteur des déplacements d’autres espèces en les emmenant dans une “coulée”, il peut aussi s’agir de lui rendre audible des présences et processus, comme la sénescence des arbres, qu’il ne soupçonne pas, microscopiques, souterrains, internes. Le travail d’Armand Louet, parfois intéractif, invite à prendre le temps : il joue des échelles, ouvre des mondes et œuvre comme une caisse de résonance. Les bruits amalgamés participent ainsi à révéler un chant du monde, une musique concrète que l’artiste associe à des souvenirs d'enfance et de plus en plus à des images quasi mythologiques. Les différentes collaborations auxquelles il prend part appuient aussi une veine de plus en plus narrative, manière d’explorer une strate supplémentaire et des embranchements plus spéculatifs.
Henri Guette
Critique d’art et commissaire d’exposition, Henri Guette arrive à l’art contemporain en s’intéressant à la poésie contemporaine et plus précisément au rapport de Charles Pennequin à la performance. Membre de c-e-a et de l’aica, il travaille par le prisme de la littérature en accordant aux langages et aux récits une attention particulière. Diplômé du Master «L’art contemporain et son exposition» (Paris IV), il développe un travail de recherche sur les liens entre art et littérature qu’il donne à voir par différentes contributions dans la presse écrite ou dans des podcasts. Passé par différents postes comme chargé de programmation pour le Festival International du Livre d’Art et du Film de Perpignan, chargé de projets culturels pour l’Université de Lille où il coordonnait les résidences artistiques et une partie de la programmation, il développe aujourd’hui son activité de commissaire d’exposition au sein de l’association Fernrohr, en travaillant à l’adaptation d’un cycle de romans de Jules Verne parmi lesquels Le Rayon vert qui lui permettent d’utiliser la fiction comme un espace de rencontres. Soutenu par le cnap en 2023-2024 pour un an de recherche à la Cité Internationale des Arts, il développe le projet curatorial des Stationnaires en parallèle du cycle du Château Hermétique qu’il crée avec le Centre d’art contemporain Parc Saint Léger à Nevers: deux façons d’appréhender les espaces à vivre.
Mathilde Noir travaille moins à partir des formes que de leurs interprétations. Une roche, une peau, un carrelage, un paysage, une architecture ne constituent jamais des modèles à reproduire. Ils sont rejoués dans une autre matière, comme une partition aux nombreuses interprétations, une manière de faire apparaître ce qui relie des réalités que l'on croyait distinctes.
Observer occupe une place essentielle dans cette pratique. L'artiste collecte, photographie, prélève, laisse les matériaux évoluer. Elle s'intéresse autant aux qualités d'une surface qu'aux conditions dans lesquelles celle-ci se transforme. L'atelier devient un espace d'expérimentation où les matériaux, choisis pour leur capacité à réagir, sont engagés dans des protocoles dont ils finissent par s'affranchir. L'humidité, la poussière, la lumière et les manipulations cessent d'être de simples phénomènes contextuels ; ils deviennent les co-créateur·ice·s de l'œuvre.
Les œuvres semblent toujours saisies au moment où elles changent de statut : un savon devient relique, une coulure prend l'allure d'une offrande, un fragment commence à faire vestige. L'archéologie et la mythologie n'apparaissent jamais comme des références iconographiques ; elles constituent plutôt des régimes de regard. Cette manière de travailler déplace également notre regard sur les matériaux. Ils ne sont jamais envisagés pour ce qu'ils sont, mais pour les analogies qu'ils rendent possibles, jusqu’à leur conférer une présence presque votive.
Les sculptures évoluent au fil des expositions, se recomposent, se prolongent parfois dans d'autres pièces, comme si chacune conservait la possibilité d'une nouvelle interprétation. Cette attention portée aux métamorphoses de la matière rejoint une pensée du corps : non comme une forme close, mais comme une enveloppe poreuse, traversée des flux, des récits, des gestes et des milieux. La peau n'y sépare plus un intérieur d'un extérieur ; elle devient une surface de contact où les matières s'imprègnent, se contaminent et se transforment mutuellement.
La pratique artistique de Mathilde Noir habite précisément cet espace de porosité. Les pièces ne mettent pas en scène le passage d'un état à un autre, comme si une forme en remplaçait une autre. Elles maintiennent au contraire plusieurs états simultanément : le savon demeure savon tout en devenant peau ; la cire reste cire tout en faisant paysage ; une empreinte est encore matière autant qu'elle devient image. Les formes coexistent, se rejouent et se déplacent sans jamais se fixer. Rien ne disparaît tout à fait, rien n'advient complètement.
Leïla Couradin
Critique d’art et commissaire d’exposition indépendante (membre de l’AICA et de c-e-a), Leïla Couradin s’intéresse aux liens qu’entretiennent les arts visuels et la littérature, ainsi qu’aux pratiques collectives du champ de l’art, pensées comme vectrices de convivialité. Elle développe une activité d’écriture pour des artistes, des revues spécialisées et des institutions, tout en menant une pratique curatoriale au sein de nombreuses institutions et lieux d’art en France. Commissaire associée du théâtre Le Polaris (Corbas) depuis 2020, elle a également conçu des expositions et des projets à la Kunsthalle Mulhouse, au Parc Saint Léger (Nevers), à ARTE (Strasbourg), à l’atelier W (Pantin), à l’ESAPB (Bayonne) et aux Sheds (Pantin). Parallèlement, elle enseigne dans plusieurs écoles supérieures d’art et de culture et participe régulièrement à des programmes de résidence en France et à l’étranger.
© Portrait de Leïla Couradin, par Rudy Ouazene.
Chloé Ferrer expérimente des procédés chimiques à partir de matières délaissées et récupérées : coquilles d'œufs, pelures d'oignons et autres plantes, laine de mouton inutilisée, mais aussi rebuts industriels ou objets médicaux. Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme(*), dans la matière comme dans les cycles de la nature. L’artiste puise ainsi dans ce qu'on oublie ou perd : les objets, mais aussi les histoires et les symboles. Entre ses mains, des figures oubliées sont restaurées : des animaux géologiques, des dieux et leurs sombres histoires, des emblèmes comme le serpent, dont le poison peut aussi bien tuer que soigner. Elle convoque les légendes qui expliquent notre monde, mais aussi sa mythologie personnelle, comme celle de sa grand-mère résistante, femme longtemps décriée puis reconnue sur le tard, dont l'artiste veut, par son art, perpétuer l’héritage et faire vivre le souvenir. En fabriquant et en transformant, Chloé Ferrer réhabilite un patrimoine/matrimoine, fait renaître des corps absents et brouille les frontières entre organique et minéral, vivant et inerte. Elle mêle et travestit les éléments, comme des traces d’oxydation ou de l’encre de tatouage périmée et injectée dans du latex, qui prennent l’apparence du sang. Procédant d’une forme d’alchimie, ses œuvres réactivent des mémoires, renversent nos représentations du monde et ouvrent ainsi, à travers des gestes de conservation et de soin, la possibilité de nouvelles formes de coexistence entre les êtres, les matières et les récits.
(*) D’après la formulation du chimiste Antoine Lavoisier dans son Traité élémentaire de chimie, Paris, Cuchet, 1789 : « car rien ne se crée, ni dans les opérations de l'art, ni dans celles de la nature, et l'on peut poser en principe que, dans toute opération, il y a une égale quantité de matière avant et après l'opération ».
Laëtitia Toulout est critique d’art indépendante, membre de l’AICA (Association internationale des critiques d’art) et chargée de projets culturels à la Maison de l’Architecture Occitanie - Pyrénées à Toulouse. Elle écrit pour des revues, des artistes et des structures et est notamment membre du jury du Prix littéraire Écrire la Ville. Elle a travaillé à faire rayonner la programmation artistique de diverses institutions culturelles telles que l’Institut des Cultures d’Islam à Paris, les ateliers Astérides à la Friche la Belle de Mai à Marseille, le Frac Centre-Val de Loire et la Biennale d’Architecture d’Orléans.
Par l’écrit et la mise en œuvre de projets, Laëtitia Toulout cherche à soutenir et diffuser la création contemporaine, en accordant une réflexion particulière aux approches à la fois poétiques et militantes qui permettent d’envisager d’autres possibles pour notre monde actuel et futur.
